PATRIMONIO MUSICAL DE ESPAÑA: LAS TRADICIONES POPULARES MÁS ALLÁ DEL FLAMENCO

 En el corazón de un pueblo gallego, durante una "foliada", un grupo de vecinos canta una "muiñeira" mientras sus pies golpean el suelo con un ritmo complejo y sincopado. A más de mil kilómetros, en una boda sefardí en Estambul, una anciana entona una vieja canción de amor en un castellano arcaico del siglo XV, con melodías que recuerdan a las nanas andaluzas y a los modos orientales. Estas no son escenas aisladas, sino fragmentos de un mismo rompecabezas sonoro: el patrimonio musical oculto de España, un palimpsesto donde se han escrito y sobrescrito las huellas de todos los pueblos que la habitaron.

La narrativa oficial ha elevado el flamenco a la categoría de símbolo universal de lo español, un relato poderoso pero incompleto. Detrás de esta historia hay otra, más profunda y enmarañada, que se remonta a tiempos anteriores a la propia noción de España. Es la historia de melodías que sobrevivieron a expulsiones, ritmos que resistieron a represiones y letras que codificaron memorias prohibidas. 

1. La Capa Sefardí: El Español del Exilio y su Música Memoria

Cuando los Reyes Católicos decretaron la expulsión de los judíos en 1492, no solo expulsaron a un pueblo, sino que desgarraron un tejido cultural de siglos. Lo que la historia política intentó borrar, la música preservó. Los sefardíes, "los españoles" en hebreo, partieron llevando consigo su lengua judeoespañola y un cancionero que era un fósil viviente de la España medieval.

• El Archivo Sonoro del Siglo XV: El repertorio sefardí, transmitido oralmente durante más de cinco siglos en la diáspora (el Norte de África, los Balcanes, Turquía), actúa como una cápsula del tiempo. Romances como "El rey de Francia, tres hijas tenía" o "Hermanas Reina y Cautiva" tienen sus raíces en baladas europeas medievales y en la poesía hispánica prerrenacentista. La letra de "Scalerica d’oro, d’oro y de marfil", una canción de boda, conserva estructuras y giros lingüísticos que los lingüistas identifican con el castellano antiguo.

• Fusión en la Diáspora: Esta música no se congeló. En su exilio, se enriqueció con los sonidos de las culturas de acogida: los modos melancólicos de la música turca o árabe, los ritmos balcánicos y, más tarde, influencias francesas o italianas. Sin embargo, nunca perdió su "seña de identidad" hispánica. Así, una canción recogida en Salónica o Esmirna puede sonar, a la vez, extrañamente familiar y profundamente exótica para un oído español moderno, porque es el eco de un pasado común fracturado.

• La Narrativa Ocultada: Estas canciones son más que folklore. Son la crónica no escrita de la expulsión. Hablan de desarraigo, de añoranza por Sefarad (el nombre de la Península en hebreo) y de la lucha por mantener una identidad en tierra ajena. Su persistencia es un testimonio sonoro de la España plural que pudo ser y que fue truncada, y su redescubrimiento en el siglo XX obligó a replantear una historia cultural que los había omitido.

2. La Herencia Mora: El Legado Silenciado de Al-Ándalus

Si la huella sefardí salió de la Península, la mora se quedó, pero fue sistemáticamente silenciada y asimilada tras la Reconquista. La política de represión y conversión forzosa intentó erradicar la cultura islámica, pero su impronta en la música era demasiado profunda para desaparecer.

• La Huella en el Flamenco y Más Allá: La conexión más evidente se establece a menudo con el flamenco, cuyos melismas (giros de voz ornamentados), modos musicales frígios y la sensación de "quejío" encuentran claros paralelos en la tradición musical árabe y de los gitanos, que llegaron a España a través del mundo islámico. Sin embargo, limitar esta influencia al flamenco es un error. La música andalusí, especialmente el estilo nuba, dejó una huella indeleble en el folclore de toda la mitad sur de la Península.

• Instrumentos y Estructuras: Instrumentos como la guitarra descienden del laúd árabe (al-ʿūd), y el mismo nombre del "ajedrez" y el "rabel" (un violín primitivo) tienen raíz árabe. Más allá de los sonidos, ciertas estructuras poético-musicales, como el zéjel (estribillo-copla-estribillo), fueron adoptadas y adaptadas por la lírica popular y culta cristiana. Las Cantigas de Santa María de Alfonso X El Sabio, compiladas en la cristiana Toledo pero en una corte de marcada convivencia cultural, son un ejemplo monumental de este diálogo sonoro medieval.

• La Persistencia en lo Rural: Donde mejor sobrevivió esta herencia, transformada, fue en las tradiciones rurales aisladas. En ciertas músicas festivas de Murcia, Almería o en los "cantos de trilla", se pueden rastrear escalas y ritmos que difieren del sistema musical europeo occidental y apuntan a un sustrato anterior. Son los restos de un paisaje sonoro andalusí que la historia oficial trató de borrar, pero que la transmisión oral mantuvo vivo en los márgenes.

3. El Substrato Prerromano: Los Ecos del Misterio

Esta es la capa más antigua, difusa y enigmática. No hay partituras ni tratados celtíberos, por lo que su rastreo es un trabajo de arqueología musical deductiva. Se busca en patrones que parecen resistirse a las clasificaciones posteriores.

• Ritmos de la Tierra: Algunos musicólogos apuntan a ciertos ritmos cíclicos y obsesivos, presentes en músicas de tradición pastoril y agrícola, como posibles supervivencias de cultos a la tierra y ciclos naturales prerromanos. La potencia rítmica de algunas danzas asturianas o gallegas, donde el grupo marca un compás implacable con los pies, podría tener más que ver con rituales comunitarios ancestrales que con influencias medievales.

• Instrumentos Arcaicos: Instrumentos como la "zanfona" (un violín mecánico de origen medieval pero con una sonoridad arcaica) o las "chirimías" y "gaitas" en sus variantes más primitivas, que producen un sonido áspero, estridente y modal, crean atmósferas que parecen transportar a un tiempo remoto. Su uso en contextos rituales específicos (festividades de invierno, carnavales con figuras zoomorfas) refuerza la idea de una conexión con sustratos culturales precristianos.

• La Lógica del Aislamiento: La clave para la preservación de estos elementos fue el aislamiento geográfico. Los valles pirenaicos, las montañas cantábricas o las zonas más agrestes del interior actuaron como refugios acústicos, donde las innovaciones musicales tardaban más en llegar y las formas antiguas podían persistir con menos cambios, fosilizándose en el folclore local.

El Redescubrimiento y la Geopolítica del Sonido

Este mapa sonoro no se redescubrió por casualidad. Fue en el siglo XIX, con el auge de los nacionalismos románticos en Europa, cuando España, como otras naciones, volvió la mirada hacia su "alma popular" para construir una identidad moderna. Musicólogos como Felipe Pedrell iniciaron una labor crucial: estudiar científicamente tanto la polifonía religiosa del Siglo de Oro como la música popular, dándole por primera vez un estatus digno de estudio.

Compositores nacionalistas como Isaac Albéniz y Enrique Granados (alumno de Pedrell) no se limitaron a citar melodías populares. En obras como Iberia o Goyescas, trataron de capturar la esencia, los modos y los ritmos de ese sustrato diverso, traduciendo a un lenguaje pianístico universal la emoción del folclore. Manuel de Falla llevó esto más lejos, investigando el flamenco en profundidad e integrando su espíritu y sus giros melódicos en composiciones de concierto, como en El amor brujo.

Este movimiento no fue solo estético; fue geopolítico. Al reivindicar estas raíces, España afirmaba una identidad cultural compleja y distintiva frente a la hegemonía musical centroeuropea (alemana, francesa, italiana). Se pasó de importar modelos a exportar una imagen exótica y poderosa basada en su diversidad interna, una imagen que aún hoy define su marca cultural en el mundo.

El Futuro de los Ecos

El patrimonio musical oculto de España no es un museo de curiosidades, sino un organismo vivo. Su estudio revela que la identidad no es un bloque homogéneo, sino un proceso constante de mestizaje, resistencia y reinterpretación. En un mundo globalizado, estas tradiciones enfrentan nuevos desafíos: la homogenización cultural, la pérdida de los contextos sociales que las sustentaban y la folklorización vacía.

Sin embargo, también surgen nuevas oportunidades. El interés por la música antigua y las raíces, el trabajo de grupos que investigan y recrean estos sonidos con rigor histórico, y la propia migración contemporánea (que trae nuevos diálogos, por ejemplo, con músicos magrebíes que reconocen en el flamenco ecos andalusíes) abren capítulos inéditos en esta larga historia.

Los antiguos ecos moros, sefardíes y prerromanos no son fantasmas del pasado. Son voces activas en un coro polifónico que sigue definiendo lo español. Escucharlas con atención no es un ejercicio de nostalgia, sino una forma de descifrar un código de memoria y resiliencia, y de entender que la verdadera fuerza de una cultura reside, precisamente, en su capacidad para albergar y hacer convivir múltiples historias en una misma melodía.a apreciación del diverso patrimonio sonoro de España.